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Conversaciones entre Artistas Plásticos



Barrio de Palermo, Buenos Aires, conectando con el ciberespacio, Enero 2013

Dentro del ciclo CONVERSACIONES, nos hemos reunidos a través de Internet para crear este encuentro entre dos artistas plásticos; Braulio Hernandez (Colombia) y Norberto Álvarez Debans (Argentina)


Conectados: Norberto Álvarez Debans (NAD) y su invitado; Braulio Hernandez. (BH).


Escarabajo, Braulio Hernandez

En el sillón azul, Paquita. Alvarez Debans
NAD: -Te calificas como un artista plástico tradicional, pintura
de caballete o embarcado en la realización de Presentaciones,
Instalaciones, Intervenciones o Site-specific o corriente más
contemporánea aún como, las inmersas en la tecnología;
proyecciones de imágenes múltiples, digitales, enormes pantallas,
efectos sonoros, música, personas en la sala actuando entorno a la
exposición.


BH: -Actualmente pinto en la comodidad y amparo de mi estudio, unas veces ante el caballete, otras ante la computadora, otras con mi guitarra y mi equipo de sonido. Nada es independiente, el resultado de una obra es el trajín de mis tres estados de conciencia plástica. La verdad no podría explicar por qué lo hago; no puedo pintar sin tocar la guitarra, ni experimentar con programas de arte en la computadora. Es un estilo de trabajo que se me pegó.

NAD: -Que opinión te merece este desarrollo del arte del caballete al
arte virtual-digital, de la intimidad de la obra silenciosa colgada en
una Sala de Exposiciones a la espectacularidad de la puesta de una
obra contemporánea en un Museo o Galería.


BH: -Opino que una obra en su ambiente íntimo y silencioso, con un delicado fluido musical sin perturbar la elocuente expresión gráfica, es solemne. La espectacularidad, la parafernalia y aparatosidad  de la puesta de una obra, es divertida y trae regocijo público. Me encanta.

NAD: -Creo coincidir bastante con tu expresión, en mi caso cuando tengo una idea que me toma cuando no estoy trabajando la suelo pensar para convertirla en una imagen o desarrollar un texto y a veces en este ensayo mental de ambas situaciones, aparece claramente un texto o un cuadro. La música de fondo me acompaña siempre en toda tarea que realizo. Hay solemnidad en todo eso. Por otra parte la inserción de la tecnología creo que cambia el modo de hacer y de percibir, pareciera que las artes plásticas son de las más tradicionales, ya que se trata de una tarea manual, sensorial. Con la tecnología de entorno, vivimos una representación desde la computadora, felizmente esta significación aplicada a la obra plástica se suma, se complementa, no resta, hay mas diversidad y posibilidades, como bien expresas. Los públicos jóvenes que se incorporar desde la aparición de Internet, creo lo viven como un todo, un constructo tecnológico que les posibilita  mayor regocijo y diversión. Que opinas?

BH: -Si, si, bueno aunque no tengo a la mano un estudio que corrobore tu idea, pienso que tiene mucho sentido. Mira, primer paso, tomo la guitarra y comienzo a ejecutar escalas, de repente aparece una gran mancha de color plano (Vectorial) que a medida que salgo de la armonía, van surgiendo matices y formas. Dejo la guitarra y paso al caballete y sin dejar de escuchar la melodía, plasmo la idea con crayolas, luego, escaneo y paso a la computadora. Empieza la diversión. Es un estado donde todo es posible, todo, todo; estirar, contrastar, matizar, escalar, copiar, pegar nuevos planos, en fin es una locura. Hago una copia y regreso al caballete hasta transformar eso en algo figurativo, en ocasiones me detengo antes.
Si, tienes razón: “regocijo y diversión”

NAD: -En este momento tengo tres cuadros en proceso de elaboración, cada uno tiene su caballete y su mesa de colores, toco uno u otro, según el día o las horas, me llena y completa artísticamente. Es increíble como podemos ser felices haciendo arte de forma tan compleja y además encontrar regocijo y diversión, no en vano dicen que los artistas somos gente rara.

BH: -Se puede de alguna manera evaluar, comparativamente, el arte digital y  el arte tradicional de la pintura?

NAD: -No creo posible una evaluación de ese tipo, siempre esta finalmente la obra de arte allí plasmada, sin importar su elaboración, digital o tradicional. Su presencia silenciosa y nosotros que miramos, contemplativamente. Hay un aspecto que he analizado desde la presentación real de la obra física como objeto y la representación de la obra desde un medio virtual-digital, no es lo mismo. La obra en el mundo físico es corpórea, sensorial, palpable, la obra virtual-digital es una representación a partir de un original digital, aunque ambas pueden ser consideradas por nuestro imaginario y apreciadas por lo que significan, desde esa posición. Se arguye que la presencia virtual suele tener más brillo, reproduce en base a millones de colores, el arte físico desde el acrílico o el óleo, el número de pigmentos comerciales es más limitado.
Me gustaría que hablemos sobre las obras que ilustran esta conversación. Como me has cedido el turno respondo.

NAD: -Voy a tomar la iniciativa, pero trataría de explicar inicialmente, mi percepción de tu obra, “El escarabajo” Lo primero que se me ocurre es que yo nunca pintaría un escarabajo. Discúlpame amigo, te soy sincero. Me pregunto, ¿Por qué? No me agradan los insectos, les tengo cierta aversión, les temo. Más allá de este rechazo inicial tu obra es atractiva y se advierte una buena factura, está muy trabajada. Imagino que habrá pasado los diferentes pasos que constituyen tu fase creativa: música, pintura, computadora, es decir tu regocijo.

BH: -A mí, igual que tú, no me simpatizan. Admiro su diseño funcional y percibo su belleza a pesar del medio de su desempeño.
Pienso que lo feo en la naturaleza no existe, existen fobias que no nos dejan apreciar el valor de los insectos.
Si, la creación del modelo pasó por todas las etapas que me regocijan. Si lo deseas puedo enviarte lo que nació de la guitarra mientras pensaba en el tema.

NAD: -Si y espero que la música, no me acerque más al insecto. ¡Lo tuyo es increíble! Pero las rondas de la musa suelen ser así, hasta que finalmente aparece un escarabajo. Para colmo son tantos, dicen que hay casi un millón de especies de insectos, es otro mundo. ¡Bueno Braulio no me vas a convencer, la naturaleza es hermosa, me agrada tu cuadro, pero no me agradan los insectos!

Respecto de mi obra te diré que es un cuadro que pertenece a una serie de “los psicoanalistas” y este en especial se me ocurre pensando en una mala praxis. Un psicoanalista (psi) que se enamora de su paciente y que esta lo admira. Veo la picardía del psi, la sumisión de la paciente y el momento. También puede ser que el hecho nunca haya ocurrido y solo forme parte de un acto de conciencia del profesional. Pero, ¿Por qué en el sillón azul?

BH: -Me sorprende como el arte nos lleva a explorar las áreas del conocimiento,  la naturaleza, la dramaturgia, los sueños, la psiquis, todo. Tu mensaje está plasmado de un simbolismo mágico cercano a los orígenes de la escritura. Me pregunto si eres más escritor que pintor o alguien que esculpe en una lona. El azul del sillón, lo veo como un acto consiente de ella, ya que ese color se asocia con la intelectualidad profunda. Ella se siente tranquila y confiada. Ahora quiero que me sorprendas con tu explicación.


NAD: En la mayoría de mis autorretratos muestro mis dos hemisferios; el del arte, pintura y el del concepto, la escritura. Son dos pasiones muy fuertes en mí. Felizmente suelo encontrar un equilibrio, al menos así lo creo… entre ambas. La explicación, no se si te sorprenderá. El seleccionó para ella el sillón azul, tenía varias opciones representadas por la presencia del violeta, el verde, el amarillo, que la circundan. Pero como expresas, ella se sentiría sobre este color “tranquila y confiada” como seguramente él lo había pergeñado. El PSI está sobre el color rojo, esta encendido y mirando de reojo, hace cómplice al espectador del cuadro, mostrandole su manifiesta intención y la voluptuosidad de su paciente. Tiene premura, un fluir, un curso quizás líquido, explota entre los dos en el centro del cuadro. El PSI esta dado vuelta, quizás como les ocurre a veces a los escarabajos de tu cuadro.

BH: - ¡¡Si!, si que me has sorprendido. ¿Sabes?, ha sido una experiencia enriquecedora amigo.

Invitamos a los artistas seguidores de este Blog, a esta interesante conversación, invitándolos a la vez, a que emitan su opinión o hagan comentarios y/o se comuniquen con nosotros, alvarezdebans@gmail.com para dialogar en próximas reuniones que tenemos programadas.


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Barrio de Palermo, en Buenos Aires, una tarde de Diciembre de 2012

Nos reunimos en la casa-taller del pintor Norberto Alvarez Debans a dialogar sobre arte y nuestras obras en general. En realidad, partimos del concepto que involucra  la mirada de los otros, del color o las formas y finalmente sobre el tema del arte actual.

Presentes: Marta Defina (MD) y  Laura Madeo. (LM).
Marta Defina

(LM): El espectador, el que contempla una obra tiende a asignarle un “tema”, busca signos de la realidad, formas determinadas. En mi caso trato de prever esta sugestión, y eso muchas veces me condiciona. La mirada del otro… y la opinión luego vertida por este, en que forma influye o no en tu pensamiento como artista y en tu obra?



Laura Madeo, Brotes
(MD): Si nos conectamos con el coraje de ser nosotros mismos, con nuestra mirada que pinta y no perdemos nuestra energía en complacer la mirada ajena, que nos aleja de nuestra verdadera identidad pictórica, es cuando se logra la belleza de una obra. La mirada crítica acompañará nuestra mirada pero solo como un espacio de discusión, por otra parte el espectador construye su propio modelo de lectura de la obra.

Hay distintos tipos de espectadores, hay quien sólo le importa el color, a otros las formas que aparecen, quienes pueden ver más allá de lo explícito, quienes pueden emocionarse, quienes buscan una pintura comprometida con la realidad político-social, quienes quieren que la obra le combine con el juego de living, hay distintos tipos de espectadores, pero ya no es un problema del artista, su mirada va más allá de toda especulación y parte del propio caos interno y de su necesidad de expresión.



(LM): Muchas veces siento la “falta de unidad” en una obra, la falta de equivalencia entre forma y espacio, trato de ir variando la composición y empleando recursos plásticos, que en mi caso siempre dependen del color. La forma me limita, me condiciona. ¿Tu preferencia es acentuar el color o las formas?



(MD) En realidad el color y la forma tienen un carácter propio, pero a la larga uno conlleva al otro indefectiblemente. A mi me gusta el color, estoy lejos de ser minimalista tan en boga en la actualidad, prefiero el mundo de los sentidos. Un color me pide otro y así sucesivamente, no pienso el color desde la teoría sino en forma netamente intuitiva y caótica y a partir de allí nace la forma que puede o no determinar una figura o figural.



(LM): Las exposiciones actuales muestran una gran tendencia a la muestra de obras desde la tecnología, es decir proyecciones de imágenes digitalizadas múltiples, grandes pantallas de LCD, sonido, efectos sonoros,  e incluso personas en el escenario actuando. Te parece que eso es arte o espectáculo? Vos te opones a esa tendencia del arte tecnológico?



(MD) En absoluto, es arte efectista, quizá lo considero mecánico y sin emoción, aunque visualmente el resultado sea espectacular, a mí me gusta el contacto directo con la tela sin “intermediarios, soy pasional y ansiosa, me gusta el contacto con la materia, para mi la pintura, el Arte, es expresión, es sentimiento que la tecnología no puede suplir.



(LM): Finalizamos esta charla con una frase de Gleizes: “El cuadro es una manifestación silenciosa e inmóvil, y el movimiento que provoca solo puede existir en el espíritu de quien lo contempla…”





Atención: Participamos de la conversación originada en esta reunión e invitamos a artistas plásticos a que emitan su opinión o hagan comentarios sobre la misma. A quienes tengan interés en participar en estas Conversaciones  los invitamos a que se comuniquen con nosotros, (alvarezdebans@gmail.com), para dialogar en próximas reuniones.


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Barrio de Palermo, Buenos Aires, una tarde de Noviembre de 2012.

Nos reunimos en mi casa-taller a dialogar sobre arte y nuestras obras. En realidad partimos de la visión y comentario sobre las obras y luego fuimos derivando al arte plástico en general. Conviene expresar que a ambos partícipes de la reunión nos agrada la pintura del otro, resultándonos muy atractivas, aún no estando en la escuela que practicamos.

Los participamos de la conversación originada en esta reunión, invitándolos a que emitan su opinión o hagan comentarios y también que se comuniquen con nosotros para dialogar en próximas reuniones que tenemos programadas.

Naufragio, Laura Madeo

Adoro el Reality Show, Alvarez Debans
Presentes: Norberto Álvarez Debans (NAD) y su invitada; Laura Madeo. (LM).

NAD; Cuando me preguntan; -¿Que tipo de pintura hace? Me ponen en un aprieto. Hace muchos años que pinto, así que he pasado por muchos ismos, comencé con la abstracción, seguí con la geometría, luego el surrealismo e hiperrealismo, continué con el expresionismo y allí me quedé hasta la actualidad. Sin embargo últimamente he incursionado en el simbolismo, la abstracción simbólica y geométrica, pero creo que la figura femenina y el expresionismo son la base y la expansión continua de mi obra. Se acomodan solas con ese istmo.

LM; En mi caso, luego de pintar en forma autodidacta y concurrir a diversos talleres, transitando por el dibujo, la pintura y la escultura, actualmente formo parte del grupo que se dedica a la pintura Esencialista en el "Taller de investigación plástica de Heriberto Zorrilla y Helena Distéfano". A mi pintura la defino como Escencialismo, se podría decir que es una actitud frente al arte y se ubicaría, de alguna manera, dentro del expresionismo abstracto configurativo.

NAD; Me gustaría que amplíes el concepto ya que se trata de un istmo o sub-istmo poco común. Agrego el prefijo “sub” porque entiendo según expresas que el Escencialismo se ubica dentro del expresionismo abstracto y luego defines este como configurativo.

LM: En el Expresionismo Abstracto, los estilos de los artistas son diferentes entre sí, algunos distorsionan o deforman la realidad por efecto de las emociones, pero siempre se coincide en el rechazo a los valores tradicionales, y en la búsqueda de una expresión libre, espontánea y personal. Con el término configurativo hablo de ir buscando dentro de la obra, o atrapando, a medida que se transita el cuadro, una determinada composición, forma, aspecto, rasgos, estructura o figura, proveer una forma externa a un contenido interior, es decir que su concepción parte de adentro hacia fuera. La figura puede aparecer o no. Personalmente pienso que el Esencialismo quiere espectadores activos que pongan a funcionar su imaginación y le den un sentido a esas formas, colores y texturas.

NAD; Es muy interesante lo que expresas. En mi caso, más bien uso los ismos como herramientas, no los busco intencionalmente y según el cuadro que estoy pergeñando finalmente se acomoda solo, a uno u otro a medida que se acerca el final de obra, creo es intuitivo. Salvo que un día decida por ejemplo, hacer geometría. Como expresas siempre es importante encontrar espectadores activos. Te dan satisfacciones con sus comentarios y hasta te suelen describen otra obra diferente de la que imaginaste. Te hacen repensar el cuadro.

LM; Pero… me interesaría que describas tu sensación antes de comenzar un cuadro, es decir que sentimiento te provoca la tela en blanco.

NAD; Con respecto al comienzo de obra, estoy en problemas, ya que no tengo uno específico. A ver,.. Primero, estoy inquieto, la tela en blanco es fascinante, su fragancia al gesso de base, las dimensiones, su tensión, lo puede contener todo o no tiene nada; blanco, vacío y esto es lo que paraliza. Se produce un acto de relax, poco a poco nos encontramos frente al ser en sí que nos constituye, que nos habita. Ese estado de relajamiento y sensibilidad facilita la introspección, el diálogo con la musa y de pronto…como por “arte de magia”me veo con un pincel redondo, gastado, viejo, que esta entrenado para este acto inicial y el acrílico negro y comienzo a dibujar la figura, generalmente una imagen  femenina. A partir de allí no paro de manchar con colores, no interesan mucho los mismo en esta etapa, los que están sobre la mesa de trabajo, solo manchas aquí y allá. En este punto el cuadro es caótico, dan ganas de tirarlo. Pero se por experiencia que a partir de ahí, recién comienza todo y entonces,..Un recreito que me otorgo en ese instante, para observarlo a distancia, largamente, encontrándome con él desde el afuera y entender qué estoy haciendo. Luego comienzo a trabajarlo, voy encontrando orden en el caos, equilibrio, armonía. Sé una cosa, odio los bocetos previos, no me agrada tener que comenzar un cuadro copiando un boceto y si lo he hecho por temor a que se me escape una idea, me cuido muy bien de tirarlo entes de comenzar el cuadro.

LM; Creo que tenemos un comienzo bastante parecido, los dos hablamos de “caos inicial” y odiamos los bocetos previos. Para mi la tela en blanco es una provocación, me siento en total libertad, sin prejuicios, preparándome para crear situaciones únicas, inéditas, y por comenzar un viaje a lo desconocido. Planteo sobre la tela zona de colores irregulares, desprovistas de intencionalidad, abandonándome a mis deseos y gusto por los colores, y sin tener en cuenta si ellos son o no armónicos. Esto determina un conjunto de estímulos cromáticos que carecen de un orden y de una disposición equilibrada, lo que llamamos un “caos inicial”. Esa es mi materia en bruto y ese es mi punto de partida. El desarrollo del cuadro lo realizo sobre la marcha, de manera espontánea. Me instalo dentro de la obra y comienzo a andar con total libertad, sin saber como va a finalizar. Y a partir de allí comienzo a manipular, un poco por intuición, y otro por conocimiento, eligiendo situaciones plásticas, aceptando algunas porciones de azar, modificando otras, en consonancia con la necesidad de la obra. Me paralizo muchas veces, no te lo voy a negar, y no se cómo ni por dónde seguir, pero ese es el momento que se necesita el empujón de los maestros del taller.

NAD; Respecto al “empujón de los maestros” te cuento que tengo una formación temprana, a los 14 años, en la Escuela Provincial de Bellas Artes en Paraná que se extendió durante 4 años. Eran muy rígidos; Primer año; lápiz, papel Canson, fuminos y goma de borrar y copiar hasta el cansancio los yesos de la escuela, flor de lis, cabezas romanas, cubos, cilindros, esferas, de frete de perfil, etc. Respetando la composición, proporciones y los claroscuros a ultranzas. Segundo año; solo témpera blanca y negra, carbonilla y otra vez los yesos. Tercer año; ¡Por fin! Color. Pastel, Tempera y óleo, bodegones, frutas, flores y paisajes, dentro del fondo de la escuela. Cuarto año; Carbonilla, óleo y modelo vivo, hombres y mujeres. Fue muy duro romper esa estructura iniciática, como decía Picasso, “todo cuadro es una destrucción” y también me fue muy útil. Cuando tengo dudas vuelvo a esas viejas imágenes en esos galpones fríos de la escuela que, se mudaron a mi subconsciente, allí están cuando los necesito. Luego mi padre Mario Norberto fue mi primer maestro, en la escuela Mario Gargataglia. Aquí en Buenos Aires concurrí un tiempo al taller de Nora Iniesta y luego al de Meko Castilla. Todo ese bagaje de estudio se mudó a las profundidades de mi alma y cuando los necesito aparecen, los quiero y aprecio, los saludo e inmediatamente los hecho y sigo solo sobre mi cuadro. No quiero una experiencia cerrada, tampoco una pintura perfecta, quiero que se noten los rasgos del pintor, la imperfección. Privilegio, ¡Siempre imaginar sin cesar!

LM; Encontré semejanzas en el comienzo de nuestras pinturas, pero también diferencias en el proceso. De tu relato rescato dos frases fundamentales que marcan nuestras diferencias:
-Con acrílico negro comienzo a dibujar la figura…
-Encontrando orden en el caos….
Yo solo trato de liberar mi hemisferio derecho, encarando la obra en forma desordenada, no lineal, ni secuencial. Observo la obra de un modo global, no me detengo en las partes que componen un todo, sino en lo que ellas conforman en conjunto. El dibujo puede aparece o no, y realmente nunca tengo idea en como voy a finalizar. En esta charla, y para concluir, me quedó claro que ambos usamos la intuición, la imaginación, la fantasía y los sentimientos… corremos riesgos. Y sobre todo… y lo fundamental, es que no queremos una pintura perfecta.

NAD: Ha sido una charla muy interesante y reveladora de una forma de pensar y hacer. Es interesante comprobar la diversidad de criterios y la satisfacción de encontrarse finalmente con una obra nueva.


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