Barrio de Palermo, Buenos Aires, conectando con el ciberespacio, Enero 2013
Dentro del ciclo CONVERSACIONES, nos
hemos reunidos a través de Internet para crear este encuentro entre dos
artistas plásticos; Braulio Hernandez (Colombia) y Norberto Álvarez Debans
(Argentina)
Conectados: Norberto Álvarez Debans (NAD) y su
invitado; Braulio Hernandez. (BH).
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| Escarabajo, Braulio Hernandez |
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| En el sillón azul, Paquita. Alvarez Debans |
NAD: -Te calificas como un
artista plástico tradicional, pintura
de caballete o embarcado
en la realización de Presentaciones,
Instalaciones, Intervenciones
o Site-specific o corriente más
contemporánea aún como,
las inmersas en la tecnología;
proyecciones de imágenes
múltiples, digitales, enormes pantallas,
efectos sonoros, música,
personas en la sala actuando entorno a la
exposición.
BH: -Actualmente pinto en
la comodidad y amparo de mi estudio, unas veces ante el caballete, otras ante
la computadora, otras con mi guitarra y mi equipo de sonido. Nada es
independiente, el resultado de una obra es el trajín de mis tres estados de
conciencia plástica. La verdad no podría explicar por qué lo hago; no puedo
pintar sin tocar la guitarra, ni experimentar con programas de arte en la
computadora. Es un estilo de trabajo que se me pegó.
NAD: -Que opinión te
merece este desarrollo del arte del caballete al
arte virtual-digital, de
la intimidad de la obra silenciosa colgada en
una Sala de Exposiciones a
la espectacularidad de la puesta de una
obra contemporánea en un
Museo o Galería.
BH: -Opino que una obra en
su ambiente íntimo y silencioso, con un delicado fluido musical sin perturbar
la elocuente expresión gráfica, es solemne. La espectacularidad,
la parafernalia y aparatosidad de la puesta de una obra, es
divertida y trae regocijo público. Me encanta.
NAD: -Creo coincidir
bastante con tu expresión, en mi caso cuando tengo una idea que me toma cuando
no estoy trabajando la suelo pensar para convertirla en una imagen o
desarrollar un texto y a veces en este ensayo mental de ambas situaciones,
aparece claramente un texto o un cuadro. La música de fondo me acompaña siempre
en toda tarea que realizo. Hay solemnidad en todo eso. Por otra parte la
inserción de la tecnología creo que cambia el modo de hacer y de percibir,
pareciera que las artes plásticas son de las más tradicionales, ya que se trata
de una tarea manual, sensorial. Con la tecnología de entorno, vivimos una
representación desde la computadora, felizmente esta significación aplicada a
la obra plástica se suma, se complementa, no resta, hay mas diversidad y posibilidades,
como bien expresas. Los públicos jóvenes que se incorporar desde la aparición
de Internet, creo lo viven como un todo, un constructo tecnológico que les
posibilita mayor regocijo y diversión.
Que opinas?
BH: -Si, si, bueno aunque
no tengo a la mano un estudio que corrobore tu idea, pienso que tiene mucho
sentido. Mira, primer paso, tomo la guitarra y comienzo a ejecutar escalas, de
repente aparece una gran mancha de color plano (Vectorial) que a medida que
salgo de la armonía, van surgiendo matices y formas. Dejo la guitarra y paso al
caballete y sin dejar de escuchar la melodía, plasmo la idea con crayolas,
luego, escaneo y paso a la computadora. Empieza la diversión. Es un estado
donde todo es posible, todo, todo; estirar, contrastar, matizar, escalar,
copiar, pegar nuevos planos, en fin es una locura. Hago una copia y regreso al
caballete hasta transformar eso en algo figurativo, en ocasiones me detengo
antes.
Si, tienes razón:
“regocijo y diversión”
NAD: -En este momento tengo
tres cuadros en proceso de elaboración, cada uno tiene su caballete y su mesa
de colores, toco uno u otro, según el día o las horas, me llena y completa
artísticamente. Es increíble como podemos ser felices haciendo arte de forma
tan compleja y además encontrar regocijo y diversión, no en vano dicen que los
artistas somos gente rara.
BH: -Se puede de alguna
manera evaluar, comparativamente, el arte digital y el arte tradicional de la pintura?
NAD: -No creo posible una evaluación
de ese tipo, siempre esta finalmente la obra de arte allí plasmada, sin
importar su elaboración, digital o tradicional. Su presencia silenciosa y
nosotros que miramos, contemplativamente. Hay un aspecto que he analizado desde
la presentación real de la obra física como objeto y la representación de la
obra desde un medio virtual-digital, no es lo mismo. La obra en el mundo físico
es corpórea, sensorial, palpable, la obra virtual-digital es una representación
a partir de un original digital, aunque ambas pueden ser consideradas por
nuestro imaginario y apreciadas por lo que significan, desde esa posición. Se
arguye que la presencia virtual suele tener más brillo, reproduce en base a
millones de colores, el arte físico desde el acrílico o el óleo, el número de
pigmentos comerciales es más limitado.
Me gustaría que hablemos sobre las obras que
ilustran esta conversación. Como me has cedido el turno respondo.
NAD: -Voy a tomar la
iniciativa, pero trataría de explicar inicialmente, mi percepción de tu obra,
“El escarabajo” Lo primero que se me ocurre es que yo nunca pintaría un
escarabajo. Discúlpame amigo, te soy sincero. Me pregunto, ¿Por qué? No me
agradan los insectos, les tengo cierta aversión, les temo. Más allá de este
rechazo inicial tu obra es atractiva y se advierte una buena factura, está muy
trabajada. Imagino que habrá pasado los diferentes pasos que constituyen tu fase
creativa: música, pintura, computadora, es decir tu regocijo.
BH: -A mí, igual que tú,
no me simpatizan. Admiro su diseño funcional y percibo su belleza a pesar del
medio de su desempeño.
Pienso que lo feo en la
naturaleza no existe, existen fobias que no nos dejan apreciar el valor de los
insectos.
Si, la creación del modelo
pasó por todas las etapas que me regocijan. Si lo deseas puedo enviarte lo que
nació de la guitarra mientras pensaba en el tema.
NAD: -Si y espero que la
música, no me acerque más al insecto. ¡Lo tuyo es increíble! Pero las rondas de
la musa suelen ser así, hasta que finalmente aparece un escarabajo. Para colmo
son tantos, dicen que hay casi un millón de especies de insectos, es otro
mundo. ¡Bueno Braulio no me vas a convencer, la naturaleza es hermosa, me agrada
tu cuadro, pero no me agradan los insectos!
Respecto de mi obra te
diré que es un cuadro que pertenece a una serie de “los psicoanalistas” y este
en especial se me ocurre pensando en una mala praxis. Un psicoanalista (psi)
que se enamora de su paciente y que esta lo admira. Veo la picardía del psi, la
sumisión de la paciente y el momento. También puede ser que el hecho nunca haya
ocurrido y solo forme parte de un acto de conciencia del profesional. Pero,
¿Por qué en el sillón azul?
BH: -Me sorprende como el
arte nos lleva a explorar las áreas del conocimiento, la naturaleza, la dramaturgia, los sueños, la
psiquis, todo. Tu mensaje está plasmado de un simbolismo mágico cercano a los
orígenes de la escritura. Me pregunto si eres más escritor que pintor o alguien
que esculpe en una lona. El azul del sillón, lo veo
como un acto consiente de ella, ya que ese color se asocia con la
intelectualidad profunda. Ella se siente tranquila y confiada. Ahora quiero que me
sorprendas con tu explicación.
NAD: En la mayoría de mis
autorretratos muestro mis dos hemisferios; el del arte, pintura y el del
concepto, la escritura. Son dos pasiones muy fuertes en mí. Felizmente suelo
encontrar un equilibrio, al menos así lo creo… entre ambas. La explicación, no
se si te sorprenderá. El seleccionó para ella el sillón azul, tenía varias
opciones representadas por la presencia del violeta, el verde, el amarillo, que
la circundan. Pero como expresas, ella se sentiría sobre este color “tranquila
y confiada” como seguramente él lo había pergeñado. El PSI está sobre el color
rojo, esta encendido y mirando de reojo, hace cómplice al espectador del
cuadro, mostrandole su manifiesta intención y la voluptuosidad de su paciente.
Tiene premura, un fluir, un curso quizás líquido, explota entre los dos en el
centro del cuadro. El PSI esta dado vuelta, quizás como les ocurre a veces a
los escarabajos de tu cuadro.
BH: - ¡¡Si!, si que me has
sorprendido. ¿Sabes?, ha sido una experiencia enriquecedora amigo.
Invitamos
a los artistas seguidores de este Blog, a esta interesante conversación, invitándolos
a la vez, a que emitan su opinión o hagan comentarios y/o se comuniquen con
nosotros, alvarezdebans@gmail.com para
dialogar en próximas reuniones que tenemos programadas.
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Barrio de Palermo, en Buenos Aires, una tarde de Diciembre de 2012
Nos reunimos en la casa-taller del
pintor Norberto Alvarez Debans a dialogar sobre arte y nuestras obras en
general. En realidad, partimos del concepto que involucra la mirada de los otros, del color o las
formas y finalmente sobre el tema del arte actual.
Presentes: Marta Defina (MD) y Laura Madeo. (LM).
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| Marta Defina |
(LM): El espectador, el que contempla una obra
tiende a asignarle un “tema”, busca signos de la realidad, formas determinadas.
En mi caso trato de prever esta sugestión, y eso muchas veces me condiciona. La
mirada del otro… y la opinión luego vertida por este, en que forma influye o no
en tu pensamiento como artista y en tu obra?
 |
| Laura Madeo, Brotes |
Hay distintos tipos de espectadores, hay quien sólo
le importa el color, a otros las formas que aparecen, quienes pueden ver más
allá de lo explícito, quienes pueden emocionarse, quienes buscan una pintura
comprometida con la realidad político-social, quienes quieren que la obra le
combine con el juego de living, hay distintos tipos de espectadores, pero ya no
es un problema del artista, su mirada va más allá de toda especulación y parte
del propio caos interno y de su necesidad de expresión.
(LM): Muchas veces siento la “falta de unidad” en
una obra, la falta de equivalencia entre forma y espacio, trato de ir variando
la composición y empleando recursos plásticos, que en mi caso siempre dependen
del color. La forma me limita, me condiciona. ¿Tu preferencia es acentuar el
color o las formas?
(MD) En realidad el color y la forma tienen un
carácter propio, pero a la larga uno conlleva al otro indefectiblemente. A mi
me gusta el color, estoy lejos de ser minimalista tan en boga en la actualidad,
prefiero el mundo de los sentidos. Un color me pide otro y así sucesivamente,
no pienso el color desde la teoría sino en forma netamente intuitiva y caótica
y a partir de allí nace la forma que puede o no determinar una figura o
figural.
(LM): Las exposiciones actuales muestran una gran
tendencia a la muestra de obras desde la tecnología, es decir proyecciones de
imágenes digitalizadas múltiples, grandes pantallas de LCD, sonido, efectos
sonoros, e incluso personas en el
escenario actuando. Te parece que eso es arte o espectáculo? Vos te opones a
esa tendencia del arte tecnológico?
(MD) En absoluto, es arte efectista, quizá lo
considero mecánico y sin emoción, aunque visualmente el resultado sea
espectacular, a mí me gusta el contacto directo con la tela sin “intermediarios,
soy pasional y ansiosa, me gusta el contacto con la materia, para mi la
pintura, el Arte, es expresión, es sentimiento que la tecnología no puede suplir.
(LM): Finalizamos esta charla con una frase de
Gleizes: “El cuadro es una manifestación silenciosa e inmóvil, y el movimiento
que provoca solo puede existir en el espíritu de quien lo contempla…”
Atención:
Participamos de la conversación originada en esta reunión e invitamos a artistas
plásticos a que emitan su opinión o hagan comentarios sobre la misma. A quienes
tengan interés en participar en estas Conversaciones los invitamos a que se comuniquen con
nosotros, (alvarezdebans@gmail.com),
para dialogar en próximas reuniones.
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Barrio de Palermo, Buenos Aires, una tarde de Noviembre de 2012.
Barrio de Palermo, Buenos Aires, una tarde de Noviembre de 2012.
Nos reunimos en mi casa-taller a
dialogar sobre arte y nuestras obras. En realidad partimos de la visión y
comentario sobre las obras y luego fuimos derivando al arte plástico en
general. Conviene expresar que a ambos partícipes de la reunión nos agrada la
pintura del otro, resultándonos muy atractivas, aún no estando en la escuela
que practicamos.
Los participamos de la
conversación originada en esta reunión, invitándolos a que emitan su opinión o
hagan comentarios y también que se comuniquen con nosotros para dialogar en
próximas reuniones que tenemos programadas.
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| Naufragio, Laura Madeo |
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| Adoro el Reality Show, Alvarez Debans |
Presentes: Norberto Álvarez Debans (NAD) y su
invitada; Laura Madeo. (LM).
NAD; Cuando me preguntan;
-¿Que tipo de pintura hace? Me ponen en un aprieto. Hace muchos años que pinto,
así que he pasado por muchos ismos, comencé con la abstracción, seguí con la
geometría, luego el surrealismo e hiperrealismo, continué con el expresionismo
y allí me quedé hasta la actualidad. Sin embargo últimamente he incursionado en
el simbolismo, la abstracción simbólica y geométrica, pero creo que la figura
femenina y el expresionismo son la base y la expansión continua de mi obra. Se
acomodan solas con ese istmo.
LM; En mi caso, luego de
pintar en forma autodidacta y concurrir a diversos talleres, transitando por el
dibujo, la pintura y la escultura, actualmente formo parte del grupo que se
dedica a la pintura Esencialista en el "Taller de investigación plástica
de Heriberto Zorrilla y Helena Distéfano". A mi pintura la defino como
Escencialismo, se podría decir que es una actitud frente al arte y se ubicaría,
de alguna manera, dentro del expresionismo abstracto configurativo.
NAD; Me gustaría que
amplíes el concepto ya que se trata de un istmo o sub-istmo poco común. Agrego
el prefijo “sub” porque entiendo según expresas que el Escencialismo se ubica
dentro del expresionismo abstracto y luego defines este como configurativo.
LM: En el Expresionismo
Abstracto, los estilos de los artistas son diferentes entre sí, algunos
distorsionan o deforman la realidad por efecto de las emociones, pero siempre
se coincide en el rechazo a los valores tradicionales, y en la búsqueda de una
expresión libre, espontánea y personal. Con el término configurativo hablo de
ir buscando dentro de la obra, o atrapando, a medida que se transita el cuadro,
una determinada composición, forma, aspecto, rasgos, estructura o figura,
proveer una forma externa a un contenido interior, es decir que su concepción
parte de adentro hacia fuera. La figura puede aparecer o no. Personalmente
pienso que el Esencialismo quiere espectadores activos que pongan a funcionar
su imaginación y le den un sentido a esas formas, colores y texturas.
NAD; Es muy interesante lo
que expresas. En mi caso, más bien uso los ismos como herramientas, no los
busco intencionalmente y según el cuadro que estoy pergeñando finalmente se
acomoda solo, a uno u otro a medida que se acerca el final de obra, creo es
intuitivo. Salvo que un día decida por ejemplo, hacer geometría. Como expresas
siempre es importante encontrar espectadores activos. Te dan satisfacciones con
sus comentarios y hasta te suelen describen otra obra diferente de la que
imaginaste. Te hacen repensar el cuadro.
LM; Pero… me interesaría
que describas tu sensación antes de comenzar un cuadro, es decir que
sentimiento te provoca la tela en blanco.
NAD; Con respecto al
comienzo de obra, estoy en problemas, ya que no tengo uno específico. A ver,..
Primero, estoy inquieto, la tela en blanco es fascinante, su fragancia al gesso
de base, las dimensiones, su tensión, lo puede contener todo o no tiene nada;
blanco, vacío y esto es lo que paraliza. Se produce un acto de relax, poco a
poco nos encontramos frente al ser en sí que nos constituye, que nos habita.
Ese estado de relajamiento y sensibilidad facilita la introspección, el diálogo
con la musa y de pronto…como por “arte de magia”me veo con un pincel redondo,
gastado, viejo, que esta entrenado para este acto inicial y el acrílico negro y
comienzo a dibujar la figura, generalmente una imagen femenina. A partir de allí no paro de manchar
con colores, no interesan mucho los mismo en esta etapa, los que están sobre la
mesa de trabajo, solo manchas aquí y allá. En este punto el cuadro es caótico,
dan ganas de tirarlo. Pero se por experiencia que a partir de ahí, recién
comienza todo y entonces,..Un recreito que me otorgo en ese instante, para
observarlo a distancia, largamente, encontrándome con él desde el afuera y
entender qué estoy haciendo. Luego comienzo a trabajarlo, voy encontrando orden
en el caos, equilibrio, armonía. Sé una cosa, odio los bocetos previos, no me
agrada tener que comenzar un cuadro copiando un boceto y si lo he hecho por
temor a que se me escape una idea, me cuido muy bien de tirarlo entes de
comenzar el cuadro.
LM; Creo que tenemos un
comienzo bastante parecido, los dos hablamos de “caos inicial” y odiamos los
bocetos previos. Para mi la tela en blanco es una provocación, me siento en
total libertad, sin prejuicios, preparándome para crear situaciones únicas,
inéditas, y por comenzar un viaje a lo desconocido. Planteo sobre la tela zona
de colores irregulares, desprovistas de intencionalidad, abandonándome a mis
deseos y gusto por los colores, y sin tener en cuenta si ellos son o no
armónicos. Esto determina un conjunto de estímulos cromáticos que carecen de un
orden y de una disposición equilibrada, lo que llamamos un “caos inicial”. Esa
es mi materia en bruto y ese es mi punto de partida. El desarrollo del cuadro
lo realizo sobre la marcha, de manera espontánea. Me instalo dentro de la obra
y comienzo a andar con total libertad, sin saber como va a finalizar. Y a
partir de allí comienzo a manipular, un poco por intuición, y otro por
conocimiento, eligiendo situaciones plásticas, aceptando algunas porciones de
azar, modificando otras, en consonancia con la necesidad de la obra. Me
paralizo muchas veces, no te lo voy a negar, y no se cómo ni por dónde seguir,
pero ese es el momento que se necesita el empujón de los maestros del taller.
NAD; Respecto al “empujón
de los maestros” te cuento que tengo una formación temprana, a los 14 años, en
la Escuela Provincial de Bellas Artes en Paraná que se extendió durante 4 años.
Eran muy rígidos; Primer año; lápiz, papel Canson, fuminos y goma de borrar y
copiar hasta el cansancio los yesos de la escuela, flor de lis, cabezas
romanas, cubos, cilindros, esferas, de frete de perfil, etc. Respetando la
composición, proporciones y los claroscuros a ultranzas. Segundo año; solo
témpera blanca y negra, carbonilla y otra vez los yesos. Tercer año; ¡Por fin! Color.
Pastel, Tempera y óleo, bodegones, frutas, flores y paisajes, dentro del fondo
de la escuela. Cuarto año; Carbonilla, óleo y modelo vivo, hombres y mujeres.
Fue muy duro romper esa estructura iniciática, como decía Picasso, “todo cuadro
es una destrucción” y también me fue muy útil. Cuando tengo dudas vuelvo a esas
viejas imágenes en esos galpones fríos de la escuela que, se mudaron a mi
subconsciente, allí están cuando los necesito. Luego mi padre Mario Norberto
fue mi primer maestro, en la escuela Mario Gargataglia. Aquí en Buenos Aires
concurrí un tiempo al taller de Nora Iniesta y luego al de Meko Castilla. Todo
ese bagaje de estudio se mudó a las profundidades de mi alma y cuando los
necesito aparecen, los quiero y aprecio, los saludo e inmediatamente los hecho
y sigo solo sobre mi cuadro. No quiero una experiencia cerrada, tampoco una
pintura perfecta, quiero que se noten los rasgos del pintor, la imperfección.
Privilegio, ¡Siempre imaginar sin cesar!
LM; Encontré semejanzas en
el comienzo de nuestras pinturas, pero también diferencias en el proceso. De tu
relato rescato dos frases fundamentales que marcan nuestras diferencias:
-Con acrílico negro comienzo
a dibujar la figura…
-Encontrando orden en el
caos….
Yo solo trato de liberar
mi hemisferio derecho, encarando la obra en forma desordenada, no lineal, ni
secuencial. Observo la obra de un modo global, no me detengo en las partes que
componen un todo, sino en lo que ellas conforman en conjunto. El dibujo puede
aparece o no, y realmente nunca tengo idea en como voy a finalizar. En esta
charla, y para concluir, me quedó claro que ambos usamos la intuición, la
imaginación, la fantasía y los sentimientos… corremos riesgos. Y sobre todo… y
lo fundamental, es que no queremos una pintura perfecta.
NAD: Ha sido una charla
muy interesante y reveladora de una forma de pensar y hacer. Es interesante
comprobar la diversidad de criterios y la satisfacción de encontrarse
finalmente con una obra nueva.
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